FERIA DE LIBROS
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¡Bienvenidos a nuestra Feria de libros! 
Todos los meses te presentamos otras opciones de nuestra editorial del mes para que puedas realizar cambios o sumar a tu pedido de libros. Recordá: si sos socio del club, tenés 10% de descuento. Tenés tiempo hasta el día 10 de cada mes: solo tenés que enviarnos un mail con tu pedido a escapeapluton@gmail.com. ¡A leer!


Estética de la instalación - Juliane Rebentisch
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $300

En los últimos años la presencia de instalaciones domina la programación de museos, ferias, exposiciones, bienales y galerías. Y, sin embargo, se sigue revelando como un terreno de difícil definición, que pone en crisis los conceptos con los que desde la modernidad comprendemos los fenómenos estéticos. En la crítica de las artes esto tuvo como resultado una línea de combate clara, que sigue aún vigente: los defensores del modernismo rechazan la instalación, argumentando que renuncia a la preciada autonomía de la experiencia estética respecto de las esferas de la razón práctica y teórica; y los defensores del posmodernismo rechazan no esta nueva forma de arte, sino el concepto de autonomía en sí.
En este notable trabajo, que no pretende ser ni historia ni tipificación del arte instalativo, pero sí una reivindicación de sus procedimientos, Juliane Rebentisch afirma que la instalación, al contrario de lo que se asume generalmente, no se opone a la autonomía artística per se, sino que deber ser entendida como un llamado a reformular este y otros conceptos de la teoría y la crítica contemporáneas. La instalación –y la convivencia en ella de distintas disciplinas en estado de hibridación– pone en crisis la obra de arte entendida como objeto, cuestiona la autonomía del artista como expresión de soberanía, y también la noción misma de experiencia estética, así como la distinción entre sujeto y objeto. A partir de un riguroso diálogo con la obra de autores como Michael Fried, Martin Heidegger, Theodor W. Adorno, Stanley Cavell, Clement Greenberg, Rosalind Krauss, Boris Groys y Jacques Derrida, este volumen arroja una nueva luz sobre la tradición del arte instalativo –desde el minimalismo a la instalación cinematográfica–, y sobre su potencial estético, ético y político.

Capitalismo de plataformas - Nick Srnicek
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $300

Un reiterado mantra nos advierte sobre la profunda transformación de nuestras vidas motorizada por la economía digital. Junto con él, un repertorio de expresiones prolifera con la intención de capturar el sentido de estas mutaciones. Economía compartida, economía de la vigilancia, economía app, economía inmaterial, cuarta revolución industrial, son algunos de los tantos términos que intentan mistificar las virtudes o señalar los peligros del nuevo paisaje tecnológico. Distanciándose de esta retórica metonímica para el diagnóstico del presente, este ensayo de inspiración marxista hace foco en la materia prima en torno a la que orbita el capitalismo del siglo XXI –los datos–, y en su aparato de extracción más eficiente: las plataformas.
La tesis de este libro es que el capitalismo se volcó hacia los datos para recobrar vitalidad tras las prolongadas crisis de sobrecapacidad que acechan la producción fordista de bienes y su régimen de empleo desde la década de 1970. El propósito de este ensayo es entonces situar el modelo de acumulación que encarnan Google y Facebook, Apple y Microsoft, Siemens y General Electric, Uber y AirBnb, en el contexto de una historia más amplia, para demostrar que datos y plataformas realizan una serie de funciones capitalistas claves, entre las que se destaca su capacidad para impulsar la deslocalización y la precarización de la fuerza de trabajo.
Coautor del Manifiesto Aceleracionista, Srnicek nos presenta aquí una precisa taxonomía de estas sofisticadas máquinas de producción de ganancia, que le están dando forma a una nueva infraestructura digital. Los efectos de esta hegemonía se propagan también al mundo offline sobre el que estos modelos de negocios proyectan su ethos: los gobiernos y las ciudades deben ser “inteligentes”, las empresas “disruptivas” y los trabajadores “flexibles”. La capacidad para interpretar las tendencias que regulan el comportamiento de estos agentes, y la eficacia para identificar incipientes zonas de conflicto entre trabajo y capital, hacen de este ensayo una herramienta valiosa para orientarnos en nuestra coyuntura.


Xenofeminismo  - Helen Hester
Editorial - Caja Negra 
Colección: Futuros próximos
Precio: $330
En una época de aceleración tecnológica, ¿es posible reimaginar el potencial emancipador de los feminismos? ¿Cómo podrían reconfigurarse las políticas de género cuando las fronteras entre lo humano y lo no humano, la cultura y la naturaleza, el hombre y la mujer se vuelven cada vez más borrosas? En 2015 el grupo Laboria Cuboniks publicaba el manifiesto “Xenofeminismo: una política por la alienación”, en el que se incitaba a la apropiación de las tecnologías existentes para transformar las condiciones de opresión sociobiológicas del sistema actual. El prefijo xeno- refiere a la voluntad de producir un tipo de feminismo que adopte la diversidad sexual más allá de cualquier concepción binaria y que tenga la capacidad de forjar alianzas y modos de solidaridad con lo distinto, lo extraño, lo alienígena. A partir de influencias que van desde el ciberfeminismo, el poshumanismo, el activismo trans*, el materialismo y el aceleracionismo, las xenofeministas proyectan un mundo más allá de las nociones de género, sexo, raza, especie y clase, y entienden la naturaleza como un espacio de conflicto atravesado por la tecnología que debe ser reconquistado constantemente, en especial por las mujeres sobre quienes la idea de lo “natural” con su mandato reproductivo pesa de forma aplastante.
En este volumen, Hester amplía lo expuesto en el manifiesto y desarrolla una programática a partir de sus tres pilares teóricos: el antinaturalismo, el tecnomaterialismo y el abolicionismo de género. Estos ejes se dirigen a abordar lo que para la autora constituye uno de los territorios fundamentales para cualquier posición xenofeminista: el problema de la reproducción y su relación con nuestro destino en el planeta. Se trata de desarrollar representaciones para un “futuro extraño” que no impongan ni condenen la reproducción biológica y que establezcan modelos no normativos de reproducción social basados en la autonomía de los cuerpos y la diversidad sexual, capaces de promover lazos afectivos y de cuidado más allá de la filiación sanguínea.

La silicolonización del mundo - Eric Sadin
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $450

Cuna de las tecnologías digitales (Google, Apple, Facebook, Uber, Netflix), Silicon Valley encarna el triunfo industrial más insolente de nuestra época. Esta tierra de buscadores de oro se ha convertido en la posguerra en el centro de desarrollo del aparato militar y de la informática, y hoy es sede de un frenesí innovador que declara obrar por el bien de la humanidad, pero define nuestras existencias con finalidades privadas. Silicon Valley no remite solamente a un territorio. Es también, y antes que nada, un espíritu en vías de colonizar el mundo. Se trata de una colonización de un nuevo tipo llevada adelante por numerosos misioneros (industriales, universidades, think tanks) y por una clase política que incentiva la edificación de valleys en los cinco continentes bajo la forma de ecosistemas digitales y de incubadoras de empresas start-up.
Este libro describe la trayectoria de Silicon Valley, desde sus orígenes en la contracultura y la psicodelia californianas hasta la institución de un capitalismo de nuevo cuño, un tecnoliberalismo que, a través de los objetos conectados y la inteligencia artificial, pretende extraer beneficios del menor de nuestros gestos, inaugurando la era de una “industria de la vida”. Más allá de un modelo económico, lo que se instaura es un modelo civilizatorio basado en la organización algorítmica de la sociedad que trae aparejada la prescindencia de nuestro poder de decisión. La silicolonización del mundo pretende desarticular los fundamentos de la retórica de la emancipación digital, para recuperar los niveles de soberanía individual y colectiva que nos fueron arrebatados bajo el modo de vida californiano.

Arte duty free - Hito Steyerl
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $450

En este conjunto de textos, la videoartista y ensayista Hito Steyerl actualiza estas reflexiones en un contexto en el que la infraestructura de la Web y la telefonía móvil multiplicaron la ubicuidad de las pantallas, y la proliferación de imágenes pareciera haber transformado nuestra vida cotidiana en un efecto de postproducción, un modelado 3D o una composición de After Effects. A lo largo de estos artículos, los bots y trolls que actúan en redes sociales, los renders de video que proyectan la futura valorización inmobiliaria de ciudades bombardeadas, las cámaras GoPro de los soldados yihadistas y un variado arsenal de herramientas digitales son algunos de los índices de una guerra civil disputada a través de imágenes.
Con una lucidez alimentada de paranoia, Steyerl intenta dilucidar los complejos mecanismos a través de los cuales la pulsión destructiva del capital se inscribe en la superficie de las imágenes y le da forma a una nueva institucionalidad artística. Si los museos cosmopolitas y las bienales en países emergentes encarnaban los sueños del capitalismo globalizado, los espacios artísticos convertidos en centros de refugiados y los bunkers offshore que alojan obras de arte como reserva de valor financiero a espaldas del público acaso sean figuras institucionales más adecuadas para un tiempo en el que las promesas liberales se fracturaron arrojándonos a un oscuro escenario de conflictividad global.


Más brillante que el sol - Kodwo Eshun
Editorial - Caja Negra
Colección - Ficción
Precio: $450

Luego de su publicación original en 1998, Más brillante que el sol, del ensayista y artista británico Kodwo Eshun, marcó un antes y un después en la crítica musical y los estudios culturales. Parte experimento de escritura ciberpunk, parte viaje a través de las capas subterráneas de la música negra, este libro se propone abandonar el abordaje clásico que explica las innovaciones sonoras por lo social, lo histórico o lo biográfico para adentrarse de lleno en la materialidad del vinilo y descubrir los conceptos que la música produce para teorizarse a sí misma. A partir de un ajuste constante del telescopio de la percepción, desde la escucha más atenta de los samples de un track hasta la contemplación fascinada ante el arte de tapa de un disco, este libro está diseñado para producir sensaciones en tu cuerpo, como cuando tus dedos se sienten atraídos por un disco y se estiran para alcanzarlo, o cuando un ritmo se mete bajo tu piel provocándote un estremecimiento eléctrico. Porque el cuerpo es la vía de acceso definitiva para comprender la música.
Desde Sun Ra y Alice Coltrane a Lee Perry y Tricky, desde Public Enemy y Funkadelic a Underground Resistance y Drexciya, lo que persiste no es una noción de lo negro como algo puro y unificado, con raíces en el pasado o en la autenticidad de la calle. Surgida de la experiencia de la diáspora, la esclavitud y el desarraigo, la cultura afroamericana y los sonidos afrofuturistas del jazz, el funk, el dub, el hip hop, el techno y el jungle son por definición sintéticos, alienígenas y posthumanos. A partir de un tipo de imaginación nutrida por los cómics y la ciencia ficción, Kodwo Eshun encuentra en esa música indicios de nuevas formas de vida: shocks sensoriales que nos arrojan hacia mundos que vienen a nosotros desde el futuro.

Objeto Satie - María Negroni
Editorial - Caja Negra
Colección: Numancia
Precio: $320

Una cama, una mesa, una silla, un piano roto, un ejemplar de Las flores del mal, y más de cuatro mil papelitos dispersos con ideas y ocurrentes apuntes armaban la escena que se encontró en la habitación de Erik Satie al momento de su muerte en 1925. Suerte de reconstrucción literaria de su existencia –y quizá del contenido de esas anotaciones fragmentarias–, María Negroni se apodera en este libro de la voz de uno de los músicos y artistas más originales y aún vigentes del siglo XX.
Ni biografía, ni ensayo, ni poema, ni documento: objeto. Este volumen encuentra su propia forma a partir del montaje de textos e imágenes, partituras intervenidas, mapas y grafismos que, lejos de completar la figura de Satie, la diseminan para confirmar cómo se sigue escabullendo. Lo que permanece es el humor irónico y estimulante del eximio pianista de la belle époque, una imaginación fuera de lo común y su particular modo de relacionarse con sus contemporáneos. Picasso, Cocteau y Diaghilev –con quienes montó el extravagante y criticado ballet Parade–, pero también Man Ray, Duchamp y Picabia entran y salen de este libro, e incluso John Cage, quien sin conocerlo fue tal vez el que mejor interpretó su legado para la posteridad (“La cuestión no es la relevancia de Satie. Él es indispensable”, dijo).
Entre el templo y los cabarets, entre la elegancia del frac y la desfachatez, Erik Satie no fue un músico más: fue un esteta. Y esa suerte de pulsión artística determinaba su experiencia. Por eso no sorprende que hasta las esquelas a su amante Biquí (seudónimo de la pintora Suzanne Valadon) sean piezas tan creativas y desbordantes. O que queramos volvernos testigos involuntarios de sus rutinas cotidianas y sus recorridos embriagados por París.
María Negroni –como ya lo hizo en Elegía Joseph Cornell– consigue aquí lo que muchos intentaron: acceder sensiblemente a la interioridad del artista y ponerlo a dialogar activamente con nosotros a pesar de las distancias.



Los fantasmas de mi vida - Mark Fisher
Editorial - Caja Negra
Colección - Futuros próximos
Precio: $420

En su primer libro, Mark Fisher llamó “realismo capitalista” a la creencia generalizada de que no es posible una alternativa al capitalismo, de que estamos obligados a enterrar en el pasado cosas como la solidaridad de clase o el concepto de lo público a cambio de seguir conectados al circuito privado de consumo y entretenimiento. Pero, ¿es posible clausurar de manera definitiva nuestros horizontes y resignar todo proyecto transformador? La tesis central que comparten los artículos aquí reunidos es que este presente clausurado, condenado a la repetición y al pastiche, estará siempre acechado por los fantasmas de aquello que ya no es y aquello que nunca fue. Y que es necesario reactivar la memoria histórica y esos futuros perdidos para escapar de la temporalidad detenida en la que vivimos. En esta suerte de Espectros de Marx para el siglo XXI, Mark Fisher se enfrenta a las ruinas de aquel momento en que la cultura popular –en especial la música– todavía tenía la capacidad de producir formas innovadoras y soñar con modos de vida radicalmente alternativos. En la experiencia colectiva de las raves, el rechazo al trabajo de los mods, el modernismo militante de los postpunks resuena aún la prometeica ambición de la clase trabajadora de producir un mundo que exceda existencial y estéticamente a la cultura burguesa. Pero no se trata de aferrarse de manera nostálgica a ese pasado para refugiarnos del presente: no abandonar los fantasmas implica no ajustarse a lo que las condiciones actuales llaman “realidad”. Estos penetrantes ejercicios de análisis cultural, que comprenden no solo música sino también la obra de directores como Kubrick, Cronenberg o Christopher Nolan, son para Fisher rituales para exorcizar el espectro que lo persiguió toda su vida: la depresión. Porque si identificamos estructuras sociales allí donde el neoliberalismo solo ve elecciones y responsabilidades personales, seremos capaces de convertir el padecimiento individual en ira politizada.

Croma - Derek Jarman
Editorial - Caja Negra
Colección - Futuros próximos
Precio: $450
Durante años, las películas de Derek Jarman circularon entre pocos enterados, los miembros de una fiel comunidad de afines. Queer antes de que queer fuera un rótulo de moda, su militancia contra la avanzada thatcherista y en favor de los derechos de la diversidad sexual, hacían de su cine un plato difícil de digerir para el gran público pero también para la crítica, muchas veces inmersa en prejuicios homofóbicos. El medio del cine político –al que en verdad pertenecía– tampoco podía asimilar en ese momento su gusto erudito por la cultura clásica y mucho menos otros intereses “superficiales”, como la jardinería, el punk, el pop, el videoclip (en el que trabajó, entre otros, junto a los Sex Pistols, Marianne Faithfull, Bryan Ferry, The Smiths, los Pet Shop Boys, Throbbing Gristle) y, claro, el sexo.
En 1986, supo que había contraído VIH. Contra lo que prescribía la época, no se ocultó: se volvió una de las pocas caras visibles de la epidemia y la convirtió en un desafío estético. Filmó seis largometrajes, acaso los mejores de su carrera. Realizó el último de ellos, Blue (1993), cuando ya había perdido la visión del ojo derecho y padecía serias dificultades para controlar sus movimientos. En este momento, un año antes de su muerte, escribe Croma. Entre las páginas de este original y ecléctico tratado sobre el color, que presta atención al fenómeno tanto en la más humilde de sus manifestaciones materiales, la obtención de pigmentos, como en las condiciones históricas de sus usos y sus diversas funciones en la historia del arte y las ideas, Jarman se despide de la biblioteca, de su jardín, del pasado, del sexo, de sus amigos, de la vida y también de ese color que ya apenas puede entrever. En un singular camino de elegía furiosa, propone a su lector una intimidad intensa y lacerante.

Clase cultural - Martha Rosler
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $420

Desde el colapso en los tempranos años ochenta del régimen de acumulación fordista, es imposible no advertir una amplia transformación en la estructura social, física y demográfica de muchas metrópolis occidentales. La especulación inmobiliaria, la tercerización de la producción industrial y los monopolios de los sectores financiero y tecnológico dejaron como huella ruina y abandono y la conversión de barrios de clase trabajadora y centros industriales en talleres de artistas y áreas de consumo. Mientras todos estos procesos convergen en atractivas formas para producir una apariencia de prosperidad económica, la precarización del trabajo y el desempleo crónico son datos subyacentes pero inequívocos del paisaje urbano contemporáneo.
En este conjunto de ensayos, la artista y crítica Martha Rosler analiza el rol de las artes visuales como activo estratégico instrumentalizado por los gobiernos municipales para la creación de valor inmobiliario y la invención de nuevos patrones de consumo basados en la comodificación de la cultura. Ciclovías, cervecerías artesanales, la promoción de barrios “emergentes”, la proliferación de festivales patrocinados por bancos y fundaciones, el auge de las bienales como estrategia para insertar a una ciudad en el circuito internacional del arte y la construcción de centros culturales resplandecientes son algunas de las figuras recurrentes con las que los planificadores urbanos construyen un “marketing del estilo de vida” y diseñan una ideología de la creatividad al servicio de la gentrificación capitalista. Con un repertorio de referencias variadas, que incluye desde el trabajo teórico de los gurúes del management urbano hasta la disección situacionista del rol de la cultura visual en el capitalismo y la teoría del trabajo inmaterial del postoperaísmo italiano, estos textos proveen la materia prima fundamental para comprender las nuevas formas que adopta la lucha de clases en la ciudad postindustrial, y para poner en cuestión las complicidades de la comunidad artística con los nuevos regímenes de consumo.

Aceleracionismo - Autores varios
Editorial - Caja Negra
Colección: Futuros próximos
Precio: $430

El aceleracionismo es una herejía política: sostiene que hay deseos, tecnologías y procesos que el capitalismo hace surgir y de los que se alimenta, pero que no puede contener; y que es necesario acelerar estos procesos para empujar al sistema más allá de sus límites. Teniendo como antecedentes teóricos al notable  “Fragmento sobre las máquinas” de Marx, los volúmenes sobre capitalismo y esquizofrenia de  Deleuze y Guattari, y la ficción especulativa de autores como Samuel Buttler, William Gibson y J.G. Ballard (para quien “el futuro es una mejor guía para el presente que el pasado”), los aceleracionistas se preguntan cómo liberar las fuerzas productivas cautivas bajo la ideología neoliberal, para redirigirlas  hacia objetivos comunes. En este proyecto, la actual base material no necesita ser destruida, sino que es reapropiada como plataforma de lanzamiento hacia un futuro postcapitalista. Pues, ciertamente, aún no sabemos lo que un cuerpo tecno-social moderno puede hacer.
Desde la publicación en 2013 del “Manifiesto por una Política Aceleracionista”  de Alex Williams y Nick Srnicek estas tesis han sido adoptadas por un grupo convergente de nuevas iniciativas progresistas, al mismo tiempo que vehementemente contestadas por sus críticos. Este rico intercambio, que intentamos reflejar en la presente antología, tuvo la virtud de reactivar y actualizar un campo histórico de tensiones cuyo eje es la relación entre los efectos alienantes de la tecnología y el sistema de valor capitalista. A la desesperanza dominante en la izquierda contemporánea, que se consuela con la estridente denuncia o con la creencia autocomplaciente de que mantener una adusta crítica desde el refugio de la teoría o la “indeterminación” del arte constituye resistencia, el aceleracionismo contrapone una imagen especulativa de otros futuros posibles y un mapa cognitivo para la identificación de aquellos elementos de este sistema que pueden ser eficaces en una transición a esa otra forma de vida.
¿Es posible concebir a la inteligencia artificial, la biotécnica y el dinero virtual como algo más que medios de producción optimizados para la obtención de rendimiento económico? ¿Y en qué podría convertirse el concepto mismo de lo “humano” si algunas de estas potencialidades latentes, tales como la abolición de la necesidad de trabajar o la crisis de las categorías esencialistas de identidad, fueran liberadas al interior de un nuevo socius postcapitalista? Se trata de un debate fundamental a la hora de abrir nuevas perspectivas para las aventuras sociales y políticas por venir.




Ningún lugar adonde ir - Jonas Mekas
Editorial - Caja Negra
Colección - Synesthesia
Precio: $620

Ningún lugar adonde ir es el diario del largo exilio que Jonas Mekas emprende en 1944 tras huir de su pequeño pueblo en Lituania por razones políticas. Ese extenso viaje involuntario incluye campos de trabajo forzado, campos de refugiados, desplazamientos obligados con destino incierto y su desembarco en Nueva York, donde se instala definitivamente e inicia su actividad cinematográfica.
La nostalgia permanente, el estilo fragmentario, el insistente y solitario registro del mundo y de la naturaleza que lo rodean son la primera formulación de lo que Mekas desplegará posteriormente en sus films-diario; por eso la importancia de Ningún lugar adonde ir radica, no solo en su carácter testimonial o biográfico, sino también en que aquí se funda una profunda poética de la intimidad que caracterizará toda su obra.

Patafísica - Alfred Jarry
Editorial - Caja Negra
Colección - Numancia
Precio: $520
La ‘Patafísica o “ciencia de las soluciones imaginarias” es un saber inventado por Alfred Jarry a fines del siglo XIX. Antes que inteligir el mundo, su tarea es la de destruirlo y hacerlo formulable de modo distinto al acostumbrado. No posee claves, pero sí un heterogéneo corpus de textos que ha cimentado los movimientos estéticos más revulsivos del siglo XX.
Este volumen intenta recoger algo de toda esta diversidad: textos inéditos de Alfred Jarry que refieren a la ‘Patafísica en tanto disciplina, selección de narraciones y ensayos de artistas y escritores (Paul Valéry, Raymond Roussel, Erik Satie y otros) que han nutrido al Colegio de ‘Patafísica antes de su creación en 1947, textos inéditos de dos patafísicos de culto, René Daumal y Julien Torma, y un conjunto de documentos que testimonian la singular arquitectura, el exuberante y excéntrico imaginario institucional y las primeras actividades del Colegio de ‘Patafísica y de su capítulo argentino, el Instituto de Altos Estudios Patafísicos de Buenos Aires.

Por dentro todo está permitido - Jorge Barón Biza
Editorial - Caja Negra
Colección: Numancia
Precio: $340

Jorge Baron Biza alcanzó notoriedad con la aparición en 1998 de su única novela publicada, El desierto y su semilla. Con ella intentaba conjurar su dramática historia familiar, marcada por el ataque con el que su padre –Raúl Baron Biza, escritor escandaloso y excéntrico millonario– desfiguró con ácido el rostro de su madre, dando inicio a una serie de suicidios. A contrapelo de la fascinación morbosa generada por estos sucesos, Por dentro todo está permitido recupera la labor ensayística y periodística a la que Jorge Baron Biza se abocó a lo largo de su vida. Las reseñas sobre la obra de artistas como Jean Michel Basquiat, Dan Flavin, Anselm Kiefer, Frida Kahlo y Carlos Alonso, entre otros; los singulares “retratos sociales” esbozados en revistas de alta sociedad en contraste con la interpretación de las marcas en las paredes de una prisión como testimonio de la vida espiritual de sus habitantes; los ensayos que abordan una diversidad de temas tales como las particularidades del arte argentino, la poética del arte road y el género autobiográfico, comparten todos ellos la inquietud porque la belleza pueda sobreponerse a la escarpada superficie del dolor y el espanto. De este modo, el presente volumen revela el perfil más luminoso de una obra signada por la batalla entre ironía y melancolía, antes que por un pathos irremediablemente melancólico.

120 historias de cine - Alexander Kluge
Editorial - Caja Negra
Colección: Synesthesia
Precio: $470

Las 120 historias que componen este libro, parciales y “subjetivas” según nos advierte el propio Kluge, tratan de la edad temprana del celuloide –ese cinéma impur de tiempos en que la imagen cinematográfica combinaba elementos del teatro, las artes plásticas y la literatura–, de la azarosa separación entre cine documental y de ficción, y de cómo el sol, a través de su juego de luces, fue quizá pionero del cine de autor. Narran el brío con el que las masas se apropiaron de ese cine reciente, los avatares de un nacionalsocialista en Hollywood, los proyectos truncos de Tarkovski y de Fritz Lang, y se interrogan por la posibilidad de poner en imágenes la plusvalía o el fin de la Segunda Guerra Mundial. Pero por sobre todo atestiguan una cosa: que el “principio cine” –tan antiguo como el sol y las representaciones de luz y oscuridad en nuestras mentes– surge mucho antes que el arte de filmar ya que se basa en la comunicación pública de lo que nos “mueve por dentro”; y que esa utopía que tiene lugar desde antaño en la cabeza del espectador no desaparecerá con la llegada de la tecnología digital, pues incluso cuando los proyectores hayan dejado de traquetear habrá siempre algo que “funcione como cine”.




Después del rock - Simon Reynolds
Editorial - Caja Negra
Colección - Synesthesia
Precio: $420

Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin, Rolling Stone, y en cada uno de sus libros publicados, Simon Reynolds se propuso deconstruir el discurso del pop sometiéndolo a una disección ideológica que sin embargo no le ha impedido abandonarse a sus placeres. Su mayor logro deconstructivo es haber eludido las dos grandes metodologías analíticas de la crítica de rock -el “lirocentrismo” y la interpretación sociológica- para focalizarse en la materialidad sonora y considerar las políticas del sonido implicadas en las distintas estrategias compositivas del pop. La suspensión del lenguaje en el noise, las regresiones oceánico-místicas del acid-rock, la preponderancia de la tríada timbre/textura/cromatismo por sobre la melodía y el mensaje en el post-rock y la música electrónica conforman un continuum psicodélico que recorre la historia del pop y que manifiesta la fascinación de Reynolds por las cualidades extáticas de la música, su potencia alucinatoria de disolución del ego y de las estructuras de poder que se alojan en la mente. Junto con estos aspectos sonoros y de manera complementaria, cuestiones como el fascismo de la imagen en Madonna, el dog fight y la esquizofrenia paranoica del hip hop, la atracción del postpunk por la cultura negra, los modos de sociabilidad implicados en la cultura rave y la función de la interfase tecnología-droga en el desarrollo de la música permiten a Reynolds indagar en la economía política del pop y las políticas de clase, raza y género que esconde. En su primera traducción al español, los textos seleccionados en este volumen recorren las principales líneas de reflexión del crítico de rock de habla inglesa más importante de los últimos veinte años y sus inquietudes actuales respecto del futuro de la música, en un contexto en el que las posibilidades de las nuevas tecnologías ha transformado sus patrones de producción, circulación y recepción para siempre.

Pensamientos verticales - Morton Feldman
Editorial - Caja Negra
Colección - Synesthesia
Precio: $390
En la historia hay momentos en que todo parece fusionarse en un único acorde y algo completamente nuevo aparece. Uno de esos momentos tuvo lugar en Nueva York a comienzos de los años cincuenta cuando, según palabras de Morton Feldman, “por un breve instante nadie pretendió saber de qué se trataba el arte”. Nuevos territorios fueron descubiertos de manera simultánea en el campo de la pintura, la música, la danza y la literatura. Mientras el expresionismo abstracto conmocionaba al mundo del arte con sus lienzos de grandes proporciones, la espontaneidad de sus trazos y sus colores, Morton Feldman fue, junto con John Cage, quien mejor encarnó el campo de la música esta búsqueda al margen de los valores tradicionales.
Fue en ese clima cultural que Feldman comenzó a componer una música que habitaba en una zona intermedia, entre categorías: entre lo visual y lo auditivo, entre el tiempo y el espacio. Mediante nuevos sistemas de notación abiertos y experimentales, y la implementación de métodos del azar, se propuso liberar al sonido de la retórica musical y del control del compositor. Arribó así a una noción no figurativa de la música, abstracta y concreta a la vez. Intentó ir aún más lejos, al concebir un sonido sin origen ni fuente, algo tan paradójico como el sonido de un instrumento abstracto. Se transformó en un compositor de “lienzos de tiempo”, que buscaba traducir al plano auditivo los estados de tensión e inmovilidad propios de las pinturas de Rothko, la inmediatez y urgencia expresiva de las técnicas del action painting de Pollock y las pinceladas vacilantes y aventuradas de Guston.

Desconfiar de las imágenes - Harun Farocki
Editorial - Caja Negra
Colección: Synesthesia
Precio: $470

Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del "Nuevo Cine Alemán" -como Wenders, Fassbinder y Herzog-, a quienes desde Flimkritik, revista de la que formó parte entre 1974 y 1984, acusó de "conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que debía ser el cine". En contraposición a esta tradición, tanto sus películas docmentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes videoinstalaciones, hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscripta en las "imágenes del mundo" generadas por artefactos aparentemente "neutrales" e "inocentes" como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos.
Desconfiar de las imágenes se propone trazar una suerte de “biografía intelectual” a partir de una selección de textos publicados por Harun Farocki entre 1980 y 2010 en revistas, diarios, libros y catálogos de exhibiciones en museos y galerías. Estos ensayos reflejan y extienden los conceptos y líneas de investigación involucrados en su obra cinematográfica, examinando un extenso inventario de dispositivos técnicos y regímenes visuales que, lejos de simplemente representar la realidad, configuran la experiencia que hacemos del mundo contemporáneo.

Para una autopsia de la vida cotidiana - James Ballard
Editorial - Caja Negra
Colección: Numancia
Precio: $380

Antes de descubrirse como escritor, James Graham Ballard (1930-2009) había deseado ser psiquiatra, y su única formación académica se la habían dado dos años de Medicina. Nunca olvidaba decir que no era un hombre de letras, sino algo así como un cirujano descarriado, y a la hora de escribir buscaba inspiración en las fuentes más insólitas: textos médicos sobre accidentes de tránsito, revistas y prospectos de tecnología quirúrgica, el Informe de la Comisión Warren sobre el asesinato del presidente John F. Kennedy o transcripciones de las cajas negras de los aviones. Esta fascinación por el lenguaje científico y su programática objetividad alimentó una de las características de su obra: la de tratar los detalles más triviales de nuestra vida cotidiana como un sistema de códigos que refleja las psicopatologías colectivas que gobiernan nuestro hábitat mental.
Las entrevistas reunidas en este volumen exhiben de manera privilegiada la lucidez con la que Ballard diagnosticó el destino del siglo XX, a la vez que lo revelan como un inquietante profeta que nos alerta desde el pasado sobre los males de nuestro tiempo: la locura como último refugio de la libertad en una era signada por el aburrimiento, la introyección de la tecnología en nuestras psiquis y afectos, la colonización total de la vida privada por el paisaje mediático o la sustitución del erotismo por esa conjunción de abstracción, deseo y eficiencia que implica la imagen pornográfica. En estas entrevistas, Ballard nos enseña el catálogo de obsesiones en torno a las cuales construyó una literatura que transformó para siempre el discurso de la ciencia ficción, enfatizando el carácter definitivamente alienígena del paisaje en el que vivimos.

Viajero solitario - Jack Kerouac
Editorial - Caja Negra
Colección: Numancia
Precio: $370

Viajero solitario es una recopilación de artículos unidos por un mismo tema: el viaje. Empleo en el ferrocarril y como marinero, montañas, misticismo, lascivia, solipsismo, desenfreno, corridas de toros, drogas, iglesias, museos, calles, una aleación de vida como fue vivida por un libertino orgulloso, educado e indigente que va a ninguna parte.” Jack Kerouac
Las relaciones entre vida y literatura alcanzan en Kerouac un colmo: parece interesarle la aventura, pero le importa solo en la medida en que puede ser escrita. El único acontecimiento genuino de sus libros es la lengua, y pocas veces alcanzó esa lengua una realización más radiante que en Viajero solitario, condensación veloz de la experiencia de sus novelas, versión cruda de la autobiografía que leemos, enmascarada, en sus ficciones. También aquí se despliegan las rutas insondable de En el camino, la California de Big Sur antes de Big Sur, San Francisco, la iluminación en la montaña de Los vagabundos del Dharma, el México de los poemas de Mexico City Blues, el Tánger de William Burroughs, la insidia urbana del Nueva York de Los subterráneos, el descubrimiento de París y, al final del camino, el desencanto. Cada uno de esos viajes constituyen además estaciones de una peregrinación interior en la que está implicada la doble espiritualidad de Kerouac: el catolicismo y la práctica budista. Extranjero en todas partes, el vagabundo Kerouac observa, y su prosa espontánea, intensamente poética, se mantiene siempre sensible a las menores oscilaciones de la percepción. 

Gilles Deleuze comparaba la escritura de Kerouac con la línea de un dibujo japonés, una línea pura que tendía a la sobriedad y no admitía corrección. Para Kerouac, la frase no era una simple unidad de sentido; era una respiración. Su escritura tiende al descubrimiento de una forma, no a la imitación de una ya existente. Viajero solitario crea una escena para la ilusión de Deleuze: la invención de una lengua extranjera en el interior de la lengua propia, auténtica meta del viaje.


Lynch por Lynch - David Lynch
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $530

Una historia sencilla pasó a través de la misma máquina por la que también pasó Carretera perdida. Hay algunas personas que, aun así, esperan que suceda algo muy malo en la película. Pero cada película debería tomarse como una unidad independiente. Si no pusiera mi nombre en la película, estoy seguro de que muchas personas no sabrían que la hice yo.

En un preestreno, alguien estaba en la cola y oyó que una mujer dijo: ‘¿No es raro que haya dos directores que se llamen David Lynch?’.



Los chicos salvajes - William Burroughs
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $450

En esta divertida y pesadillesca obra maestra de exceso imaginativo, personajes grotescos participan en actos violentos, riquezas sin límite transforman un rincón de África en un bacanal utópico, y la tecnología, los cuerpos y la violencia se funden y se deshacen unos con otros.
Una novela espontánea, fragmentaria, que describe a chicos salvajes involucrados en vigorosos rituales de sexo y drogas, y a una guerra de guerrillas contra un ejército confuso y superado. Los chicos salvajes es una demostración de las razones por las que Burroughs no se parece a ningún otro escritor y los motivos por los que su escritura es capaz de hacer cautivante lo explícito, lo terrorífico.

Castoriadis: una vida - Francois Dosse
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $770

Este libro es la primera biografía consagrada a una de las más grandes figuras intelectuales y políticas del siglo XX, Cornelius Castoriadis (1922-1997). Joven resistente griego revolucionario amenazado de muerte por los estalinistas, llega a Francia a los veintitrés años, cuando la exaltación que despierta la URSS está en su cenit. Contribuye entonces a crear, junto con Claude Lefort y Jean-François Lyotard, uno de los grupos más activos de la izquierda radical, Socialismo o Barbarie, que se convertirá a continuación en una revista mítica y una de las grandes influencias de Mayo del ’68, en especial por su crítica de izquierda de los llamados regímenes “comunistas”.
Economista, filósofo, psicoanalista, militante político, Castoriadis es autor de una obra esencial para quien se interese en la cuestión de la institución al margen del marco del Estado, tema del que se ocupa en la que puede considerarse una de las obras maestras del siglo XX, La institución imaginaria de la sociedad (1975). En un cruce entre el análisis histórico y el enfoque psicoanalítico, Castoriadis, en efecto, no dejó de consagrarse a pensar la conquista de la autonomía como condición de la profundización democrática.
Fruto de una investigación llevada a cabo con un centenar de testimonios, esta obra permite por fin levantar el velo que cubría a esta figura fuera de toda norma y demasiado desconocida, que ocupó una posición marginal hasta el final, pese a su elección como director de estudios de la Écoles des hautes études en sciences sociales a comienzos de la década de 1990. Aquel en quien Pierre Vidal-Naquet veía un “genio” y Edgar Morin un “titán del espíritu”, está sin embargo destinado, en estos tiempos de grandes turbulencias de las soberanías establecidas, a convertirse, sin ninguna duda, en uno de los pensadores claves del siglo XXI.

Fassbinder por Fassbinder - Las entrevistas completas
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $760

De momento planeo hacer con treinta años mi película número treinta. Ya he conseguido mucho de lo que un director puede esperar, he tenido más éxito que la mayoría y gano más dinero que la mayoría, pero ninguna de esas cosas vistas por sí mismas me ha hecho más feliz. No sé cómo podría ser feliz cuando veo cómo vive la gente. Encontrarme con gente en la calle o en las estaciones de tren, ver sus caras y observar sus vidas, todo eso me llena de desesperación. Lo que más quiero entonces es gritar bien fuerte.
* * *
Existe una sinceridad muy sincera y una sinceridad casi sincera y una sinceridad semi sincera y una sinceridad casi insincera, y solo entonces empieza la mentira. No siempre cuento toda la verdad. Pero mentir es algo que en realidad no hago nunca.

Burton por Burton - Entrevistas
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $550

Es un artista, un genio, un bicho raro; un amigo desquiciado, brillante, valiente, graciosísimo, leal, inconformista y honesto.
Nunca he visto a alguien tan inadaptado adaptarse tan bien. A su manera.
Johnny Depp

Finnegans Wake - James Joyce
Editorial - El cuenco de plata
Precio: $730

Aquí la forma es contenido, el contenido es forma. [...] No hay que leerlo, o más bien no es sólo para ser leído. Es para ser mirado y escuchado. Sus textos no son acerca de algo; son ese algo. Cuando el sentido es el sueño, las palabras se van a dormir. Hay un punto que debe quedar en claro: la belleza de Obra en curso no solamente se presenta en el espacio ya que su aprehensión adecuada depende tanto de su visibilidad como de su audibilidad. Este texto [...] es un extracto por antonomasia del lenguaje, la pintura y los gestos, con toda la inevitable claridad de la antigua articulación. Aquí aparece la salvaje economía del jeroglífico. Las palabras no son ya las amables contorsiones de la tinta del imprentero del siglo 20. Están vivas. Se abren paso a empujones hacia la página, y brillan, arden y se extinguen.”
Samuel Beckett 
“Parecía que Ulysses había subvertido más allá de todo lí­mite la técnica de la novela: Finnegans Wake rebasa este lími­te más allá de los umbrales de lo imaginable. Parecía que en Ulysses el lenguaje había dado prueba de todas sus posibili­dades: Finnegans Wake lo lleva más allá de todo límite de ductilidad y de comunicabilidad. Parecía que Ulysses representaba el intento más atrevido de dar una fisonomía al caos: Finne­gans Wake se autodefine como chaosmos y Microchasm y constituye el documento de inestabilidad formal y ambigüedad semántica más aterrador del que jamás se haya tenido noticia.”
Umberto Eco